martes, 31 de mayo de 2011

Derechos para los músicos: Un reclamo histórico

En entrevista con integrantes de la Asociación de Músicos Independientes de Neuquén (AMI), conversamos sobre la Ley de la Música y el Consejo de las Artes e Interculturalidad, los objetivos y características de la organización. 

Ya escribimos aquel primero de mayo (Día del Trabajador) sobre el trabajo de los músicos, la dedicación que implica la actividad y la falta de legislación y regulación que se sufre en la misma. Pero lo que no escribimos fue que en Neuquén existe una asociación que brega con trabajo silencioso por esos derechos y que semana tras semana se reúne para debatir temas concernientes a todos los integrantes del hacer musical.  Y como en cada aspecto de la vida uno milita desde su lugar, me pareció importante acercar el tema, comunicarlo y re-informarlo. Se trata de la Asociación de Músicos Independientes de Neuquén (AMI), espacio desde el que se llama a la integración y participación en el debate, para popularizar los reclamos y convertirlos en cosa de todos los involucrados y no solo de un grupo reducido.

En entrevista grupal a integrantes de la AMI realizada para el canal TVC, charlamos sobre cuestiones y objetivos ligados a la asociación, como el Consejo de Interculturalidad y las Artes y la Ley de la Música. Los voceros fueron Jorge “Choco” Chocobar, presidente de la misma, Guillermo "Nemo" García, integrante del Consejo; Fox Colonna, representante de la AMI en la FIMA (Federación Independiente de Músicos Argentinos) y Gabriel Enríquez, también parte del Consejo.


         Para empezar desde lo básico pero ir más allá de las siglas es importante saber lo que es la AMI, y Choco se encargó de explicarlo: “Es una organización que nuclea a músicos interesados en desarrollarse como tal y cambiar su realidad con respecto a la actividad que hacen. Como no hay ley que nos proteja ni marco que nos regule como trabajadores, básicamente luchamos por eso”.

La AMI no labura aislada sino que lo hace en conjunto con artistas de diferentes lugares del país, por ejemplo Buenos Aires. Por eso busca a través de sus referentes nacionales lograr beneficios a nivel social y asociativo, sumados a cambios políticos que implicarían la regulación a nivel macro.

Este trabajo en red convierte a su ejercicio en una especie de militancia corporativa, en la que más allá de los beneficios superficiales que se obtienen al afiliarse, como la impresión de afiches, descuentos en estudios de grabación, promociones para difusión en radio y demás, las ganancias reales vienen por otro lado y son producto de los resultados de la participación colectiva en pos del bien común. “Cuando preguntás cuál es el beneficio, en la intimidad respondo que lo generás vos mismo cuando entrás”, aseguró Choco.

En lo formal se puede destacar que la AMI está integrada aproximadamente por 250 músicos entre los que hay 30 personas trabajando y 13 en estado activo. Pero eso no alcanza. “Aunque hayan 60 activos, va a seguir siendo mucho el trabajo para hacer y esto se debe a la decadencia en la que se encuentra nuestra tarea”, remarcó Chocobar.


Por su parte, Fox Colonna planteó el rechazo al carácter individualista en la actividad artística: “El objetivo fundamental de la Asociación es el trabajo grupal, dejar de lado ese individualismo que a los artistas nunca nos llevó a ningún lado. Juntos podemos mejorar las condiciones en que se hace música y los lugares donde se desarrolla nuestra actividad, tanto en la ciudad como en la provincia y el país”.

La AMI integra la FIMA, que vendría a ser como la “AMI a nivel nacional” en grosos términos (la FIMA nuclea asociaciones y la AMI a músicos). Su principal objetivo es la sanción de la Ley de la Música, sobre la que Fox explicó que consta de dos partes: La creación del Instituto de la Música y  su consecuente encuadre legal para los trabajadores del rubro: “En primer término se busca que se puedan tomar como referencia diferentes regiones del país, para poder ayudarnos no solamente en lo que respecta a las producciones, sino también en cuanto a la difusión de materiales y generación de un circuito estable y federal, donde los músicos podamos rotar y tocar en diferentes lugares”.

La intención de los artistas es que el financiamiento del instituto sea independiente para mantenerse alejados de deudas políticas que limiten su libertad estética a la hora de crear. De todos modos este costeo se plantea en tres partes: Un porcentaje saliente de espectáculos internacionales, otro derivado de la Ley de Medios y por último una comisión financiada por el Estado proveniente de lo destinado a políticas culturales.
           
Consejo de las Artes y la Interculturalidad

Durante años las agrupaciones de artistas de diferentes ramas pidieron por la creación  del Consejo de la Cultura. Recordando el principio de la gestión del ¿saliente? intendente Martín Farizano, el tema fue tomado por el entonces subsecretario de Cultura del Municipio, Carlos Marcel, quien planteó un intento de inclusión en lo ejecutivo. Por cuestiones políticas y burocráticas, más específicamente por las trabas constantes impuestas desde el superior, el secretario Oscar Smoljan, la intención quedó en la nada. Tiempo después el tema fue retomado por el concejal por UNE, Mariano Mansilla y, finalmente, el año pasado se aprobó un proyecto redactado en conjunto con los artistas. El mismo dio lugar a la creación del Consejo de las Artes y la Interculturalidad, con la misión específica de elaborar un Plan Estratégico Cultural.


Guillermo “Nemo” García, músico integrante de la AMI y del Consejo, contó que es un espacio conseguido por la lucha de las asociaciones para lograr una participación más democrática en lo referido a la política cultural, básicamente del Municipio. Por su parte, el ya citado Gabriel Enríquez planteó que para referirse al tema es necesario primero analizar los hechos de interés colectivo para lograr así, espacios de discusión política y  participación real.

Pero las intenciones quedan cortas y a pesar del trabajo empeñado detrás, el Consejo sufre trabas de funcionamiento administrativo todavía sin saldar. Las dificultades se traducen en restricciones que evidencian la falta de voluntad política de los responsables de hacer. “Llevamos bastante tiempo sin poder todavía encaminar las acciones que tenemos pensadas desde los artistas independientes. El Ejecutivo no está cumpliendo con la ordenanza y su participación es parcial, porque a veces están sus dos representantes y a veces no va ninguno. Nosotros hemos sido implacables, puntuales y formales con el cumplimiento de lo que mandata la ordenanza que crea este Consejo”, lamentó Enríquez. No obstante, se manifestó en alza y reafirmó la “satisfacción de continuar trabajando para resolver los problemas colectivos de los artistas”.


El dinero se mete en todo, claro está, y todo buen acto necesita de una torta considerable que lo respalde, por eso el Consejo de las Artes y la Interculturalidad no es la excepción. Su financiamiento se asemejaría en teoría al uso del presupuesto participativo sobre los fondos destinados a cultura en la ciudad, lo que implicaría la inclusión de los artistas en la toma de decisiones sobre sus destinos. Pero esto es solo en teoría, porque hasta el momento los hechos no se desarrollan según lo postulado. “Hay desviaciones de fondos que no las entendemos desde el punto de vista administrativo, estamos muy lejos de saber cómo van a financiar el Consejo de la Cultura”, aseguró Enríquez.

Y las restricciones y falta de regulaciones pueden loopearse en un tema sin fin. Lo importante aquí es destacar la idea de colectividad y trabajo por el bien común contra una problemática que quizás dentro de diez años ya no exista. Porque esto sumado a los numerosos planteos que circundan nuestra contemporaneidad, forma parte de un periodo de transición hacia una sociedad más libre y justa. Vamos a pensar en términos quizás ingenuos pero siempre optimistas, para no olvidar que la actitud es también parte del cambio.

Ya escribimos en aquel texto del primero de mayo, “el ser músico es un trabajo al que la legislación todavía no le da de comer”, y ese es el norte hacia el que se rema desde estas organizaciones. Porque la ecuación es simple: La actividad además de implicar una elección y modo de vida, es también un trabajo que merece ser redituado como tal.

¡Hasta la próxima!
Juliana D. Biurrún
Imágenes de Esteban Hoffmann
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sábado, 28 de mayo de 2011

Entrevista a Yusa: Música mestiza y con identidad

El pasado sábado 21 de mayo se realizó en Teatro del Viento la primera Peña Latinoamericana, en la que se presentaron las cantautoras neuquinas Marina Santillán y Noelia Pucci, con la actuación estelar de Yusa, cantante, compositora y multiinstrumentista cubana. 


Su estilo entre el jazz y el funk, con mezclas de rumba y ritmos latinos, sumados el inconfundible sabor y carisma de sus raíces, la convierten en una artista de fusión por excelencia, que hace gala de su virtuosismo  y sin complicaciones se pasea por los instrumentos que tenga al alcance. Durante su presentación en Neuquén y en formato solista, sumó al público como un integrante más y logró con gracia e interacción, cerrar su visita con una sala llena de jóvenes y adultos parados, haciendo dos pasos para atrás y agachándose, mientras entonaban un coro colectivo a su pedido.

En entrevista con ella, hablamos sobre identidad musical, las influencias del contexto sociopolítico en sus creaciones y la búsqueda constante de transmisión de sensaciones a través de sus composiciones. 

Aquí va
               
Empecemos hablando sobre vos, tu historia, tu vida, ¿quién es Yusa, cómo te presentás?
Soy de La Habana, Cuba. Hago música desde chiquita, siempre hice música. Estudié en el conservatorio música clásica, empecé a los ocho años a estudiar y me gradué a los 23. He sido parte de varias agrupaciones, formé parte de agrupaciones de mujeres tocando el Tres que es un instrumento cubano, yo soy la primera graduada en ese instrumento. Estuve mucho tiempo haciendo obras, música para teatro, cine. Y bueno, la vida me ha ido llevando por diferentes caminos.
               
Durante tu carrera integraste varias agrupaciones, compartiste escenario con numerosos músicos y formaste parte de un trío con Ramiro Musotto, un artista argentino que estuvo muchos años viviendo en Brasil y trabajando con referentes de la música latina. ¿Cómo fue tu experiencia de trabajar con él?
Fue linda, corta pero muy bonita. Realmente estuvimos trabajando quince días en Brasil y la conexión fue a través de Lenine (músico brasileño) que fue quien nos convocó. Fue lindísimo, me encontré a una persona que amaba Cuba, un conocedor de la música cubana. Realmente hicimos tremendas migas, nos divertimos mucho y hablábamos mucho sobre música. Luego no nos vimos más hasta el 2007 en la clausura de los Panamericanos, que se hicieron también en Brasil. Fue la segunda vez que nos vimos y después desafortunadamente no nos vimos más, aunque nos manteníamos en contacto, nos escribíamos. Fue lindísimo conocer a Ramiro, fue un músico que incluso en Brasil llegó a tener una repercusión importante. Siendo Brasil un país tan lleno de músicos y percusionistas, que Ramiro lograra tener un lugar importante en Brasil habla bien de él.

               
Tu música es un rompecabezas de distintos géneros. Es una mixtura con dejos de jazz, rock, rumba, ¿cuáles son tus principales influencias?
Tengo muchas, debo tener influencias que son hasta a nivel inconsciente. Tiene que ver con la música que escuchaban mis padres, como Silvio Rodríguez, Beatles, Rubén Blades, y luego la música que yo elegí escuchar. Cuando empecé a estudiar clásica me gustaba mucho Chick Corea, Get Jarrett. Me ponía a estudiar piano en la escuela y a sacar temas de ellos, también de mis coterráneos. Mi música tiene que ver un poco con el mestizaje que tiene Cuba, que es de por sí es una isla cuya identidad cultural está creada del mestizaje, incluso de la música que vino de la colonia francesa, de España y de la trata negrega que llevaron a Cuba.
               
Es música con identidad.
         Viene de la propia identidad cubana. Uno no puede estar al margen de lo que sucede en su lugar. Pero sí, es una música bastante mezclada y sobre todo tiene mucho de mis viajes. Yo estoy viajando desde muy jovencita y participando de muchos festivales, con músicos de muchos países. En estar en festivales en Inglaterra y demás, te hace asumir un poco de las otras culturas. Yo estoy bebiendo de esas fuentes desde hace mucho tiempo, además de la música que estudiaba en el conservatorio y la nos pasábamos entre nosotros. Ahora tengo una biblioteca grandísima, ahora mismo tengo  mucha música argentina.


¿Qué te gusta de Argentina?
          Yo crecí con Charly García. Mi adolescencia fue marcada por el rock and roll de Europa y Charly. Incluso había cortinas de programas de Charly García y Spinetta. Eso es algo de mi tradición, no es algo menor, como Mercedes Sosa. Son cosas con las que crecí. No recuerdo haber estado sin Mercedes Sosa. En la época del ‘70, ‘80, hubo un sentimiento latinoamericanista que unió mucho a nuestros países, Argentina, Cuba. El propio éxodo que hubo de la dictadura también, creó un nexo muy importante entre nuestros países. De hecho fue la primera vez que escuché tanto chamamé en Cuba. Yo no sabía cómo se llamaba en aquel momento, pero eran influencias que estaba recibiendo a nivel inconsciente porque eran parte de mi crecimiento y tradición.
               
Este fenómeno de acercamiento entre países latinoamericanos es algo que se está dando política e ideológicamente en la actualidad. Es el momento en que vos venís a ofrecer tu música como parte de la nueva ola de música cubana. La prensa especializada y quien escucha lo que hacés, se da cuenta de este sabor especial que tiene lo tuyo. ¿Cómo te sentís en este rol en el que de repente te encontrás?
Para mí es un poco raro hablar de mí misma. Generalmente son los otros los que hacen ese tipo de comparaciones. A mí me place mucho porque  de hecho se nota que hay un nuevo interés en lo que se está haciendo hoy en la música cubana, porque de hecho hubo un momento en que se perdió esa conexión. Hasta los años 80 había mucha conexión con lo que sucedía en América Latina, pero después de los 90 todo eso desapareció un poco. Entonces hoy que se hable de eso, quiere decir que hay una búsqueda e interés en recuperar la identidad de esos países, y sobre todo lo que más me alegra es que se note que se está haciendo música de este tiempo, porque yo estoy haciendo música de mi tiempo, la música de hoy, y esto es lo que es mi música, no sé si es bueno o malo, pero mi música representa mi época.
               

Hablando del arte, sensaciones, influencias, ¿qué buscás transmitir en tus creaciones?
Yo soy muy inquieta y me gusta provocar reacciones en las cosas, porque de esos estímulos me nutro yo para crear. No soy una persona que premedita las cosas ni me interesa de repente caer bien. Me interesa ser útil sobre todo. Siempre digo una frase de José Martí, “creo en la utilidad de la virtud y en el mejoramiento humano”. Y un poco en base a la utilidad, porque las herramientas cuando uno las tiene no valen de nada si no son útiles, entonces puede ser que sepas mucho pero ese conocimiento no vaya a ninguna parte. Entonces en eso se basa mi ser, en ser útil y sobre todo en poder mostrarme sincera y estar abierta siempre a lo nuevo que venga, tener el corazón y la mente abierta para poder recibir todo lo nuevo que hay, que es parte de lo que hoy es mi música y espero que eso nunca me cambie.
                Tiene que ver con la libertad. Como no tengo que hacer música para nadie, hago la música que yo quiero hacer, y eso también tiene que ver con haberme criado en Cuba y haber tenido el tiempo y la libertad para hacer lo que quería, para poder investigar y hacer la música que hago. Creo que eso es lo más importante que tiene mi carrera, que hasta hoy estoy haciendo música y nunca he tenido que hacer concesiones con nada ni nadie.
               
Hablando de esto de compartir con músicos. Hoy estás sola, sin banda, ¿Cómo es tener el escenario solo para vos?
En un sentido es bueno porque te coloca en el momento en que tú haces las canciones, cuando estás en total soledad. Es ese acto bastante egoísta que tiene la composición, que es que estás tú solo, con tus fantasmas y tus canciones, con tus cuerdas. Eso tiene una parte buena y una mala, y la parte buena es que ahora la gente va a ver a la Yusa que está cuando está sola. El público va a ser parte del concierto, me gusta mucho involucrarlo. Me gusta la gente, estar con ella, me gusta provocar y pasarla bien.
               
Te gusta generar sensaciones.
Siempre.

          Y así pasó Yusa por Neuquén, una visita tan de lujo como inesperada. Poco nos hubiéramos imaginado tiempo atrás, que una música de la isla guevarista iba a compartir escenario con nuestras artistas de acá y en la primera Peña Latinoamericana que se realizó en el lugar, evento que sin dudas merecía la sala tal como estuvo, llena.

Hasta la próxima!
Juliana D. Biurrún
Fotos de Andrea Jara
Publicado en www.comahuerock.com.ar

domingo, 15 de mayo de 2011

Entrevista a Norberto Chaves: La lucha contra el ruido y el arte de comunicar

Norberto Chaves es un teórico de la comunicación y sus ramas, especialista en identidad corporativa, imagen, cultura, modelos de organizaciones, diseño y arquitectura. Docente universitario y de posgrados, disertante en numerosos seminarios y congresos. Profesional de consulta referencial y autor de montones de textos leídos en carreras como Comunicación Institucional, Diseño y Relaciones Públicas. Además es uno de los creadores del Foro Alfa, un espacio de interacción 2.0 en el que académicos, intelectuales, interesados o aficionados al tema de Europa y Latinoamérica, publican artículos y debaten entre ellos. El sitio funciona como un gran centro de información y consulta confiable, avalado por su trascendencia internacional y el prestigio que le otorga el hecho de que autores como Joan Costa (académico de la comunicación al igual que Chaves, pero orientado más hacia el análisis de lo empresarial por sobre lo pluralmente organizacional) publiquen en él. 

Norberto Chaves
Norberto es un argentino que vive en Europa hace tres décadas y actualmente reside en Barcelona. Tiene 51 años de trayectoria, libros publicados y viajes por todos lados diseminando su idea. Es un personaje imperdible para cualquier animal comunicacional cuya profesión sea un modo de vida centrado en comprender los procesos de interacción y la lucha contra el ruido que interfiere en la interpretación.

El pasado miércoles 11, Chaves dio una charla gratuita sobre DISEÑO E IMAGEN DE PAÍS, la responsabilidad del diseño en el reposicionamiento de países latinoamericanos” en el auditorio del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) y la actividad estuvo organizada por estudiantes de la Universidad de Flores (UFLO). 

El autor resultó ser una persona de lo más simpática y accesible, un comunicador de pura cepa que hace del uso de la retórica un arte de convicción. Sutil y perspicaz, irónico y ocurre, diplomático y contestatario, anticapitalista en el capitalismo. A continuación transcribo una parte bastante larga de la charla que tuve con él. Tal vez en unos días pueda subir el video con el material en crudo, sus declaraciones no tienen desperdicio.



          Aquí va

Identidad y cultura: Identidad y cultura organizacional son dos conceptos diferentes pero van de la mano. ¿Cuál es la principal diferencia entre ellos?
Cultura organizacional es un concepto mucho más amplio. Es un sistema de valores y virtudes, es el sistema simbólico compartido por el conjunto de las organizaciones. Evidentemente la contradicción es inevitable. No hay ninguna organización absolutamente homogénea, pero cuando se trabaja cultura de empresa y organizacional, se apunta a que haya cierto grado de consenso y de valores compartidos para que la experiencia común de trabajar en el tema específico de la organización, no sea un obstáculo permanente, sino que fluya con eficacia. Identidad está íntimamente vinculada a cultura. Es decir, la identidad de la organización es una parte inextirpable de su cultura, es ser claro de quienes somos. En la medida en que eso sea asumido por el conjunto, puede proyectarse hacia el exterior, que es un poco el objetivo, que los públicos y audiencias de esa organización tengan una representación lo más clara y realista posible de lo que esa organización cree y vale.

Entonces el sentimiento de pertenencia a una organización es capaz de disipar las diferencias culturales que haya entre sus miembros.
Exactamente, el sentimiento de pertenencia es clave para generar lealtad a la organización. Hay organizaciones que esto no lo pueden conseguir nunca, porque mantienen un grado de conflictividad interna que más que pertenencia genera rechazo o ganas de irse. Esto en muchas organizaciones es un logro posible, pero otras tienen que renunciar prácticamente a eso, porque para poder lograrlo tendrían que hacer sacrificios que irían en contra de sus propios intereses u objetivos.

           
Tomando como ejemplo dos tipos de organización, una cooperativa y una dividida jerárquicamente y patronal, ¿en cuál de los dos modelos de organización se da más el sentimiento de pertenencia?
Teóricamente una organización cooperativa parecería que tendría que garantizar mayor cohesión entre sus miembros. Y en cambio en una organización empresarial, vertical, donde hay un accionariado que es el dueño y unos directivos que son los que gobiernan, parecería que tendría mayores obstáculos para lograr eso, pero no es tan así. Hay cooperativas que son verdaderas batallas campales porque dentro se detectan intereses distintos. Por ejemplo, cooperativas sectoriales de x ámbito de la actividad social o productiva, donde hay grandes miembros y pequeños miembros, o miembros de la capital y miembros del interior y empieza una batalla campal. Incluso en una cooperativa de vecinos hay intereses contrapuestos, y donde hay una temática que entusiasma a todos los participantes, se logran niveles de fidelidad y pertenencia muy altos. Hay que tener la cabeza abierta y no caer en dogmatismos. Si las cosas se hacen bien, los modelos son válidos. Si hay un estudio de mercado para que sea factible el negocio o el proyecto en todos los ámbitos, incluso en salud.
           
Un canal de televisión es una marca, un programa también. Entonces, cuando los recursos no acompañan a las organizaciones para insertarse en la sociedad, ¿cuáles son las mejores herramientas y estrategias que se pueden poner en práctica?
Es difícil, porque si hay algo que en comunicación no se puede dar, son recetas. Según qué tipo de organización, necesitará distintos tipos de medios, y siempre hay que hacer un estudio del caso para definir cuál es el medio más rentable. O sea, aquel que con menor inversión produce más impactos. Y eso no se puede generalizar. Con un cliente que es una empresa de química y prestaba servicios a otras empresas, vino una empresa de publicidad y le presentaba una pauta publicitaria de televisión. El presidente que no era nada tonto le dice, ‘¿explíqueme más por qué ese medio, por qué quiere poner en televisión el lanzamiento de la empresa?’. El otro le contesta con una especie de frase hecha, ‘porque si no estás en la televisión, no existes’. Un desperdicio, es decir, la cantidad de impacto que se producida con la publicidad en esos canales de televisión, la amplia mayoría eran superfluos, porque esta es una empresa para empresas. Y Ahí viene la perversión, evidentemente la facturación en televisión para la agencia era mayor que poniéndolo en una revista de empresas. Se produce una situación negativa desde el punto de vista comunicacional y la gente empieza a pensar, ‘si me lo dicen es porque es mentira o porque quieren algo de mí’. ¿Cuánta gente cuelga el teléfono cuando le hacen telemarketing? Porque te llaman a la hora de comer para encontrarte. Y eso genera tal odio, que aunque te estén ofreciendo el oro y el moro les decís que estás ocupado.

           
¿Cuáles considera que son las enfermedades de las organizaciones modernas?
El problema para mi genérico de nuestra sociedad, es lo que ya se previó en el siglo XIX, y es que todo deviene en mercancía y por lo tanto todo se pervierte. Hay como un doble objetivo. Entonces las organizaciones sociales, todas, incluso las de bien social, tienen que circular por el filo de la navaja para quedar siempre bien con Dios y con el diablo. Es decir, con dos objetivos opuestos, debo cumplir una función social pero además tener tranquilos a mis accionistas, a los políticos. Hay como un desdoblamiento esquizofrénico en las organizaciones que les hace más arduo su labor. Las que son francamente expoliadoras, esas no tienen ningún problema. Van de saco a probar y mañana cambian el logotipo o de marca. Pero las que tienen larga permanencia, mantenerse al pie con cierta Responsabilidad Social, que es un concepto contemporáneo muy fuerte, les cuesta muchísimo, no solo en dinero, sino en estrategias de comunicación para lograr legitimar un discurso honesto.
           
¿Por qué considera que hay países en los que se le presta principal atención al ejercicio de la comunicación empresarial?
La jerarquía orgánica, dentro del organigrama de la comunicación, depende del grado de conciencia que haya tomado la organización del peso de la relación con los mercados. Allí donde esta tenga más tradición, evidentemente la necesidad de comunicación normalmente hace subir a los comunicadores. Que a su vez esto implique que ha subido la calidad, no es lo mismo, no es sinónimo, en España y todo el mundo creo yo. En Latinoamérica todavía los cargos de comunicación no están siempre en manos de gente capacitada en lo comunicacional. Todos estos problemas provienen de no reconocerle a la comunicación especificidad profesional. Por ejemplo, un director de marketing por atributos personales puede ser un buen comunicador, pero no por ser director de marketing. El haberlo estudiado o saber un montón de eso, no necesariamente te habilita a ser un buen director de comunicación. Si lo eres es por tu propio mérito pero no por la carrera que haz estudiado, porque se termina hablando de una manera absolutamente impropia a su identidad y posicionamiento estratégico. Es decir, que hay alguien ahí que no se está enterando de cómo gobernar una retórica ni siquiera, como debe hablar, como debe hablar un museo, un centro comercial, un supermercado, que no pueden hablar nunca igual aunque estén vinculados al mercado.

El ejercicio de la comunicación es una cuestión de preparación académica y atributos personales. 
Los atributos personales están presentes en toda profesión. Nadie puede hacer algo que no le apasione, y esa pasión tiene oscuros orígenes, en la infancia, en la cuna, vete a saber.


¿Cuáles son las características principales que debe tener un buen comunicador, el CEO de una organización?
Para decirlo rápidamente, horror al ruido, que es lo contrario a la comunicación. Un animal comunicacional se vuelve loco ante el fracaso de la comunicación, es el mejor comunicador. La comunicación es una lucha contra la interferencia al final de cuentas, porque la interferencia está garantizada, la comunicación no. Al comunicador no puede serle indiferente el fracaso comunicacional de nadie, debe indignarse cada vez que alguien mete la pata. Un buen profesional siempre es autodidacta. Siempre, hasta el médico. La vida debe ser una forma de aprendizaje. No puede ser que estudio hasta las cuatro y ahí me dedico a otra cosa. Es aprovechar de la experiencia de estar en una ciudad para seguir aprendiendo comunicación, como se comunican las organizaciones actualmente, y viendo inmediatamente los defectos. Una tarea llamo yo, de ir desarrollando capacidad jurídica, es decir, bueno – malo o regular, aunque te equivoques. Es decir, yo te cuento mi historia y tú sabrás qué hacer, desde ya te la cuento de la manera que te pueda convencer. Hay muchas patas para la formación del comunicador, la vocación inicial, su disciplina de autoformarse permanentemente, y su voracidad para atravesar caminos educativos o académicos sin perder una gota. Y otra cosa fundamental, esta puede ser más subversiva, no perder tiempo con materias inútiles. Siempre he dicho que el mayor talento de un alumno es saber elegir bien al maestro.

¿Considera que el diseño es arte?
No, en absoluto. El diseño no es arte, su función no es artística, aunque puede incorporar al arte como uno de sus materiales, como un componente poético muy alto, no quiere decir que sea arte. Ni la estética ni la poética sin patrimonio exclusivo del arte. Es decir, el arte tiene otra visión, tiene que explorar los valores culturales trascendentales de una cultura, un país, de una comunidad. Es decir, su misión es otra. Es una misión altísima pero que no tiene que ver con el diseño. El diseño puede prestar servicios al arte. Si yo en un mensaje decido poner a un Picasso, es que estoy entendiendo al arte y entiendo que el arte me está sirviendo para transmitir un mensaje, pero eso no quiere decir que sea un artista. Yo soy de los que piensan que una persona que no tiene sensibilidad musical no piensa adecuadamente, porque la formación armónica que te produce la música, acelera los procesos intelectuales, eso está demostrado. Es decir, todo se retroalimenta, y esto viene en función del tema inicial que planteabas, identidad y cultura, es decir, no hay posibilidad de comunicación sin los códigos de la cultura. El diseño no tiene códigos propios, hace entrar los códigos que le prevé la cultura conforme los necesita y combina.

¡Hasta la próxima!

Juliana D. Biurrún

viernes, 13 de mayo de 2011

“Pogo, punk y sentimiento”, los veinte años de Bulldog

Entrevista a Willy (Guillermo Tagliarini)
violero y corista de Bulldog

Bulldog es una banda de punk rock argentina con veinte años de trayectoria que suele recorrer con frecuencia los pagos neuquinos patagónicos. Para hacer un pequeño racconto de sus visitas, el año pasado presentaron su disco “Repolutión” en el boliche Pirkas (ex One, La Colina y quién recuerda cuántos nombres más…) y en el 2008 tocaron al aire libre en un evento municipal (que terminó con una carta de lectores de la banda Another Freak por la mala organización) junto a Kevin Johansen y artistas regionales.


En esta ocasión, vuelven a la región para mostrar un material que vienen masticando hace dos décadas y que pretende ser una suerte de autohomenaje al tiempo recorrido entre las premisas de la distorsión, la música y la amistad. Veinte años y veinte canciones condensadas en su última producción, “Pogo, punk y sentimiento”.

En entrevista con Willy (Guillermo Tagliarini), coros y viola de la banda, charlamos sobre la historia de este disco, los significados del under, la fidelidad del público del punk y hasta de las chalas entre casa. Cabe destacar que la tecnología no ayudó ni un poco y metió bastante la cola en punta para pinchar cada frase que había captado el micrófono. Pero lo bueno fue que lo sustancial de la información se pudo rescatar para llegar con fidelidad a las líneas que siguen a continuación. Esto fue lo que Willy contó:

Juliana: Pogo Punk y Sentimiento es un compilado de canciones que resumen la discografía de Bulldog, ¿cuál es el espíritu que caracteriza al disco?

Willy: Smells like teen spirit. Tiene espíritu adolescente, la primera época de Bulldog y cosas que estamos tocando hoy. Lo que hicimos fue extraer temas de discos grabados anteriormente y los reeditamos por los 20 años. Son canciones que de alguna manera son clásicos, siempre nos las piden en los recitales.

J: Este material es un homenaje a estos 20 años de carrera.

W: Está bueno llamarlo así, corre por tu cuenta pero está bueno llamarlo así. Es una especie de “autohomenaje”, más que a nosotros, a las canciones que tantas puertas nos han abierto en los comienzos de la banda. Su ley motive son los 20 años y por eso el volver a grabar esas 20 canciones. Al que conoce Bulldog este disco le va a encantar y al que no conoce a la banda, va a tener un abanico y espectro amplio de lo que es el grupo y lo que ha hecho por lo menos en los primeros años de vida. Por eso está bueno también, para conocerlo y tener un buen pantallazo.

J: ¿Considerás que algún disco en particular de Bulldog resume la esencia de su carrera?

W: A mi particularmente me representan todos nuestros discos, por una cosa u otra representan un momento de mi vida y para con el grupo, y creo que es la sensación de toda la gente de la banda. Cada disco te transporta a una época de la vida, a veces te pega nostalgia, a veces te pega para arriba, te dan ganas de bailar, hacer pogo, juntarte con tus amigos. Bueno eso es un poco de lo que habla Bulldog en su carrera. Es un grupo de amigos que se hizo amigo con la banda. Eso está muy reflejado en las canciones. Y como decía antes, no me representa ningún disco en particular, me representan todos. Resumido en este, pero sin descuidar los anteriores”.

  
J: ¿Qué opinas de la escena actual de la música nacional?

W: Puedo hablar del punk y de todo, no me quiero encasillar tanto, porque nosotros siempre estuvimos emparentados con el rock en general. Nos gusta mucho la música, la buena música. La aceptamos dentro de nuestra batea o la escuchamos en la sala de ensayo cuando vamos a componer canciones. Si vos me decís de la música en Argentina, hay mucho arte, con muchas ganas de seguir. Nosotros siempre estamos muy inquietos. Y bueno, hay un recambio, nosotros siempre estamos en movimiento de aquí hacia allá. Hay un cambio lógico, llámese reggae, llámese punk, llámese heavy. Hay nuevas referencias pero yo soy más clasicón. Si me preguntas por reggae, me quedo primero con Sumo o Los Abuelos de la Nada cuando hicieron algún reggae, que con Nonpalidece y Dred Mar I. No es desmerecer a nadie, sino identificarse más con bandas de esa época y también de acá, llámese Todos Tus Muertos, Fun People, Bom Bom Kid. Hay mucho movimiento, muchas bandas under, mucha cultura. Hay cosas de la actualidad que me gustan y otras no tanto, pero siempre tratamos fundamentalmente de progresar con mi banda, hacer y decir cosas interesantes.

J: Un fenómeno que se observa en la escena del punk, es la fidelidad del público y la intensidad con la gente sigue a sus bandas cabeceras, cosa que no se observa tan explícitamente en otros géneros. ¿Por qué se da esto en el público punk?

W: El punk rock es un sentimiento y lo seguimos tocando, bancando, fusionándonos con él. Para mí el género vive en la gente, no es una cosa de ahora, no es algo que vino de moda, no es un subgénero que se pone de moda. El punk rock es algo a nivel mundial de la década del 70 y sigue vigente, sigue muy en frente, por eso la gente es así.

J: Se utiliza mucho el término under en diferentes ámbitos relacionados a la música y comunicación, pero su concepto es ambiguo y hasta difuso. ¿Cuál es tu noción sobre el under?

W: El under es un sentimiento también, no quiero ser redundante, pero el under es todo. Yo nunca tuve inconvenientes con el under, me gusta. De ahí surgió el rocanrol y toda la cosa, de la cueva. Llámese ACDC, Beatles, las primeras bandas. Después fue creciendo y se convirtió en un meganegocio (que no sé si es la palabra). De hecho cabe nada más que mirar las giras monstruosas que vienen a hacer bandas que empezaron con un discurso muy Mandela, del apartheid y en contra de los grandes imperios que pisoteaban a la gente, y después de una manera u otra eso se magnificó, tomó otra dimensión y cambió mucho. Por eso yo me quedo con la cosa más under. Nosotros hacemos shows que son medianos, relativamente grandes, más chicos y el under siempre está dentro del show. Nosotros nos llevamos bien con el underground, pero no me quedo en eso solamente, también tengo under pasado y presente, porque si no tengo under, me toco con el under y me codeo y voy a ver a una banda. Lo disfruto y me parece que ese es el puntapié inicial para marcar algo.

J: ¿Cómo fue abrirse paso en el under a fines de los ‘80?

W: Rosario es un gran centro y lo fue. De hecho el rocanrol con Litto Nebia y Los Gatos sale de Rosario. Nuestros primeros pasos fueron como amigos que se juntan a despuntar el vicio de la música y una cosa lleva a la otra. Uno va teniendo oportunidades, creciendo con el instrumento, armando shows. Los primeros pasitos fueron cortos, empezamos a ir a La Plata, Buenos Aires, Entre Ríos. Pero al principio lo que hay que tener presente es el empuje, siempre es el empuje, poner el corazón para dejar algo y hacer, siempre hacer.


J: Esto no tiene nada que ver con lo que veníamos charlando hasta ahora, pero es un tema que está candente, ahora, ya. ¿Qué opinas sobre la despenalización de la marihuana?

W: Ayer estaba escuchado un informe muy interesante, se hizo una marcha muy grande en Rosario por la despenalización. No puede ser que a la gente que tenga en su casa una planta se lo meta con el narcotráfico. Y nos damos cuenta de que cada cual puede tener su planta, su mambo y no venderla, sino convidarla a sus amigos cuando se juntan a comer algo y fumar un cigarrillo de marihuana cosechado en su casa, en una maceta. Me parece que por ahí viene la cosa. Se cortaría la cadena de narco y todo, estaría buenísimo. Me parece que pasa por ahí la cosa, es tan simple como una maceta en la casa y un cigarrillo de marihuana. De hecho creo que hay cosas que hacen peor, como el estrés, el mismísimo tabaco hace más daño, el alcohol y un montón de cosas más.

Bulldog se va a presentar el sábado 14 de mayo a partir de las 20 en el salón de fiestas y eventos de Bloke. Como teloneras van a tocar las bandas regionales Deacorde, Dulce Ironía y Desakarrilados. Las entradas anticipadas con descuentos pueden conseguirse en todos los locales Croma (Sarmiento 2, Portal Patagonia Shopping y Galería Paseo del Sol). ¡Que sea rock!

Hasta la próxima
(se viene con data de un comunicador de lujo)

Juliana D. Biurrún

              

viernes, 6 de mayo de 2011

DVD de Andrea Álvarez en el estudio ION

"Todo se resume a un par de pilas doble A"

          Andrea Álvarez es una baterista y percusionista pionera en Argentina, compositora y cantante, que formó parte de las legendarias “Viudas e hijas del roque enroll”. También fue percusionista de Soda Stereo, tocó con Divididos y compartió escenario con Celia Cruz, entre otras cosas. Ella no fue la primera en sentarse tras el instrumento, pero si la inicial en trascender en el campo y encararlo como modo de vida y subsistencia. Su carrera solista comenzó en el 2003 luego de disolver “Pulsomadre”, primera agrupación propia. A partir de allí editó cuatro discos: Andrea Álvarez (2001); Entre Caníbales (2003); Dormís? (2006) y Doble A (2008).

Andrea Alvarez y su imagen ícono
  El año pasado decidió cambiar la metodología de promoción y se metió en estudio para grabar un DVD sobre su último trabajo “Doble A”. El material se titula, “Andrea Álvarez Doble A. En vivo en Estudio ION”, donde comparte el piso con el bajista Lonnie Hillyer y el guitarrista León Peirone como banda fija, junto a Richard Coleman en voz y guitarra y Mariano Martínez de Ataque 77 en viola como invitados.

Cuenta con ocho temas, siete de autoría propia y uno de Pappo. A esto se le agregan veinte minutos de entrevista, siete de back y ocho de fotos. Su disposición es dinámica y los tiempos destinados a cada cosa también, dado  que no se excede y logra mantener la atención de quien lo mira al no explayarse en demasía entre ninguna de las secciones.

Como escribí en una crónica sobre el recital de Miguel Zavaleta en Neuquén algunos post anteriores, Andrea también decidió democratizar su música y en vez de venderla en centros comerciales, la colgó en la web para su descarga gratuita. Esto, con el agregado de que un porcentaje de las ganancias generadas son destinadas a donaciones, muestra a una artista solidaria y hasta medio despojada del interés  por el  rédito económico de su arte.

Doble A en ION
 En lo que respecta al contenido en si del DVD, la primera vez que lo vi no me dejó una buena impresión, pero más por el contexto que por la producción en sí. Para ser especifica, el reproductor no leía bien la imagen y aparecía todo el tiempo un cuadrado negro que se robaba la mitad de la pantalla, mientras que el sonido se asemejaba más al de una lata que al de un conjunto afinado. Con una visión tan limitada por factores externos a la calidad de realización, resultaba imposible hacer una evaluación del material con la objetividad que se merece. Por eso repetí la secuencia. Me instalé en un lugar más cómodo, con mejor sonido, y recorrí todos los vínculos que presenta la edición. Primero la entrevista, después el back seguido de las fotos y por último la filmación tocando.

Batera sexy
En el mismo se muestra a la banda en formación de trío ubicada de manera circular y apuntando hacia Andrea. Durante media hora, transita por ocho temas entre los que se distinguen matices (por ejemplo "Aleluya"), y destacan la versatilidad de Alvarez como baterista. Un ejemplo es cuando contrapone esa balada de rock con el cover de Pappo Napolitano, “Algo ha cambiado”, tema en el que parece enloquecer y abalanzarse como pulpo sobre la batería y la fuerza de su doble pedal.

La filmación se limita a tomas y planos de los músicos. Eso está muy bien logrado, la secuencia es dinámica y capta detalles por demás rescatables, como las expresiones de placer en las caras de los instrumentistas, o detalles de AA que la hacen parecer “la cienmanos” por la cantidad de sonidos que genera desde cada extremidad.

           El espíritu del DVD es mostrar a la banda en crudo, con foco en Andrea  por supuesto, pero sin ninguna variación extra que se movilice a partir de eso. En este sentido, quizás hubiera sido auspicioso el atreverse a jugar un poco más con detalles de postproducción, como cambios en tonalidades de color o modificación de la imagen inicial, para ayudar así a destacar cuestiones expresivas no solo de los músicos, sino también de la música. Esto es una sugerencia constructiva, claro está, que de ninguna manera pretende subestimar la producción ni poner en dudas su calidad, sino sumar un poroto más entre las cosas a tener en cuenta – o no – para una experiencia futura similar.


Lo que sí es lindo destacar, al menos para mí, es el final de lo más sencillo pero súper explícito que tiene la filmación. Concluye con un primer plano de AA con la cara transpirada, la sonrisa enorme y los ojos brillantes, en una expresión que conjuga todos los sentimientos de quien con pasión se sube al escenario para dejar todo ahí arriba, año tras año y como modo de vida. Pero sobre todo, porque la muestra como lo que realmente es, una mujer común más allá de todo.

Es que Andrea es una especie de joyita en el mundo del rock. Por talento y personalidad supo abrirse camino en un ambiente habitado en su mayoría por hombres, para mantenerse vigente hasta hoy con la calidad musical y apertura que la caracteriza. Así se convirtió en una artista “de vanguardia y popular” como ella se denomina, no solo por su incursión poco común en el instrumento, sino también por la predisposición y accesibilidad para con sus seguidores.

“Todo se resume en un par de pilas doble A”. Ya descubrimos la fuente de poder de esa mujer menuda que cuando agarra un par de palillos y se calza el inalámbrico parece llevarse todo por delante. Pero todavía nos queda una duda existencial, ¡¿Cómo hace para lograr (y mantener) ese peinado?! Ya tendremos oportunidad de hacerle la preguntonta.

¡Hasta la próxima!

Juliana D. Biurrún

jueves, 5 de mayo de 2011

CromoX audiovisual

¡Buenas tardes a todos!

          Esta entrada no tiene nada de "periodístico", si se puede decir. Es a título de experiencia personal y sobre algo muy lindo que me  (y nos paso) pasó en este recorrido que se llama vida. He aquí la historia.

          Como ya dice por todo el blog, además de escribir, trabajar, estudiar y bla bla bla, toco el bajo en la banda Cromosoma X, un cuarteto devenido en quinteto integrado por mujeres. La formación es clásica: Batería, bajo, primera guitarra, segunda guitarra, voces y saxo. 

          El año pasado tuvimos la experiencia hermosa y súper enriquecedora de grabar con el señor Lito Vitale, un gran artista, figura de la música nacional y con una trayectoria de cuatro décadas (sí, podría ser mi papá). Él se llevó nuestra música hasta su estudio y allí terminó con la mezcla y masterización. Aquí les dejo una de las canciones que trabajamos con él. Se llama "AS" y la letra está inspirada en la historia de la poetisa y escritora Alfonsina Storni. Las imagenes son de la presentación de nuestro primer disco en agosto del año pasado, una de las mejores fechas, sino la mejor, que pudimos compartir. Todo cien por ciento autogestionado, con laburo de hormiga y a pulmón. 

          ¡Suban el volumen que los invito a escuchar!

"AS" - Cromosoma X


          En otro orden de cosas pero siguiendo con el mismo espíritu, este año emprendimos la grabación de nuestro primer videoclip oficial. El tema elegido fue el ska reggae "Mi estrella", uno de los "clásicos" si se puede decir de la banda. La dirección y edición estuvieron a cargo de nuestro amigo - colega Esteban Hoffmann y fue ayudado en cámara por su compañero Juan Olmos Foitzik. La letra y la melodía son por demás alegres, inspiran al baile y la buena energía. 
          Con "Mi estrella" participamos del Segundo Festival Patagónico del Videoclip, emprendimiento organizado por gente del sitio web - portal cultural www.comahuerock.com.ar, del que resultó ganador (por demás merecido) el videoclip del tema "Palabra" de la banda Música Chiva, dirigido por Mauricio Morón.

          ¡Suban de nuevo! que se viene otra canción.          

"Mi estrella" - Cromosoma X


¡Hasta la próxima!

Juliana D. Biurrún